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Arquitectura para un mundo que cambia: Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires

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ARGENTINA

¿Y si la arquitectura no solo construyera casas, sino también formas de convivir con lo imposible? No solo imagina edificios: también propone maneras de vivir juntos, interpretar nuestro tiempo y pensar el futuro. Esa conversación es el corazón de la Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires, un encuentro que reúne proyectos, ideas y voces de distintas partes del mundo en la muestra “Habitar” reuniendo a más de 100 proyectos que exploran cómo diseñamos nuestros espacios y cómo estos, a su vez, nos transforman.

La Bienal propone salir de la idea de que la arquitectura es solo una cuestión de formas y materiales. También es una herramienta para explorar cómo nos relacionamos con el territorio y qué tipo de futuro queremos construir. Una invitación a observar, debatir e imaginar —con una dosis de curiosidad— otras maneras de habitar el mundo.

La Antártida como proyecto arquitectónico
Entre las propuestas más fascinantes está Habitar lo extremo. Allí, donde el frío, el aislamiento y las condiciones límite ponen a prueba cualquier idea de comodidad, la arquitectura deja de ser un telón de fondo y se convierte en una herramienta vital: refugio, tecnología y vínculo con un entorno radical.

A snowy landscape featuring futuristic, orange dome-shaped structures, with one dome partially disassembled, set against a clear blue sky.

La Bienal en esta edición, regresa a dos sedes emblemáticas de su historia: el Museo Nacional de Bellas Artes y el Centro Cultural Recoleta, ubicados en el corazón del corredor cultural más importante de Buenos Aires, y suma sedes notables en sus cercanías, la Biblioteca Nacional, el Museo Nacional de Arte Decorativo, el MARQ y la Casa Victoria Ocampo. Así, y durante el mes de octubre, esos espacios se convertirán en el principal centro expositivo, acompañados por un programa internacional de conferencias del 5 al 10 de octubre de 2026 que tendrá lugar en el auditorio Amigos del Bellas Artes.

Obras en exposición:

A3 LUPPI UGALDE WINTER (CABA, Argentina) Edificio 2636Flats (CABA, Argentina) • A4estudio (Godoy Cruz, Mendoza, Argentina) VLA HOUSE (Villa La Angostura, Neuquén, Argentina) • a77 (Gustavo Diéguez & Lucas Gilardi) (CABA, Argentina) Proyecto La Zona (Chapadmalal. Argentina) • ARBOL Arquitectos (Villa María, Córdoba, Argentina) Casa Sukha (Villa Nueva, Córdoba, Argentina)  • ARQUITECTONIKA LOPEZ/LEYT/LOPEZ/YABLON (CABA, Argentina) PH URBANO (CABA, Argentina) • Arquitectos DUJOVNE HIRSCH y Asociados S.A. (CABA, Argentina) Molina Ciudad (CABA, Argentina) • Asociación Semillas para el Desarrollo Sostenible (Lima, Perú) Escuela Mirador, La Jalquilla (San Ignacio, Perú) • AtelierM (Buenos Aires, Argentina) Casa CM (Escobar, Provincia de Buenos Aires, Argentina) • ATV Arquitectos (CABA, Argentina) Sens Luxury Homes (CABA, Argentina) • REHEARSE STUDIO (Santiago de Chile, Chile) Quebrantahuesos: infraestructura multiprogramatica para el desarrollo del habitar vertical (Santiago de Chile, Chile) • Balsa Crosetto Piazzi (Córdoba, Argentina. Boston, Estados Unidos) The Big House. Vivir la vida en un hogar transgeneracional (La Pampa, Argentina) • Ben-Avid (Córdoba, Argentina) Atelier Aveta (Córdoba, Argentina) • Berson – Sardin (CABA, Argentina) Casa Libélula (Delta Río Paraná, Argentina  • Bulla (CABA, Argentina) Bosque Malba (Escobar, Buenos Aires, Argentina) • Cadau Oficina de Arquitectura (Campana, Buenos Aires, Argentina) Edificio Damero (Campana, Buenos Aires, Argentina) • Camps & Tiscornia (CABA, Argentina) Quartier Bajo Belgrano (CABA, Argentina) • CÁRDENAS ARQS (Posadas, Misiones, Argentina) La Cuaretá (San Ignacio, Misiones, Argentina) • CARLOS OTT ARQUITECTOS en asociación con CARLOS PONCE de LEÓN ARQUITECTOS (Montevideo, Uruguay) Bera bay (Punta Ballena, Uruguay) • Claudia Faena Estudio (CABA, Argentina) Edificio Ortega y Gasset 1710 (CABA, Argentina)  • Clusellas Ades (CABA, Argentina) Masterplan y Espacio Público Puertos (Escobar, Buenos Aires, Argentina) • Dario Castellino Arquitecto (Villa Carlos Paz, Córdoba, Argentina) La Memoria del Agua (Villa Carlos Paz, Córdoba, Argentina) • Déchelette Architecture (París, Francia) 4 Cheminées – Boulogne Billancourt 2024 (Boulogne-Billancourt, Francia) • del Puerto-Sardin Arquitectura (CABA, Argentina) Edificio 11 de septiembre 4050 (CABA, Argentina) • Edgard Torres (Talca, Chile) Habitando la alta cordillera. Refugio Corral abierto (El Campanario, San clemente, Chile) • Estudio Abramzon (CABA, Argentina) Casa Grilla (Tigre, Buenos Aires, Argentina) • Estudio Aisenson (CABA, Argentina) Concepción Arenal (CABA, Argentina) • Estudio Ana Smud (CABA, Argentina) Casa LUAA (Vicente López, Buenos Aires, Argentina) • Estudio BAAG (CABA, Argentina) Casa Chacra (Campana, Buenos Aires, Argentina) • Estudio Borrachia (CABA, Argentina) Casa Holmberg (2016–2026) (CABA, Argentina) • Estudio Clorindo Testa (CABA, Argentina) PARASOLES para una Biblioteca (CABA, Argentina) • Estudio Crespi (CABA, Argentina) Casa Martindale (Pilar, Buenos Aires, Argentina) • Estudio Mariani Perez Maraviglia Cañadas (Mar del Plata, Argentina) DAD. Distrito de Arte y Diseño (Mar del Plata, Argentina) • Estudio MOLA (Castelar, Provincia de Buenos Aires, Argentina) Resignificar lo Habitado (CABA, Argentina) • Estudio Planta (CABA, Argentina) La Vecindad Freire (CABA, Argentina) • ESTUDIO URGELL-PENEDO-URGELL, ARQUITECTOS (CABA, Argentina) Distrito Central. Ciudad de Mendoza (Mendoza, Argentina) • Estudio Ventura (CABA, Argentina) Casa en Capilla (Capilla del señor, Argentina) • Ferrari Frangella (CABA, Argentina) • Flow81 (Málaga, España) Rehabilitación de edificio Call Center como espacio universitario (Málaga, España) • Foster + Partners (Londres, Inglaterra, y otras ciudades) Sudameris Plaza (Asunción, Paraguay) • Gerardo Caballero Arquitecto (Rosario, Santa Fe, Argentina) Edificio Castellanos (Rosario, Santa Fe, Argentina) • Gonzalez Moix Arquitectura (Lima, Perú. Punta del Este, Uruguay)  QUIPU/ Hotel y centro de convenciones Moray – Perú (Moray, Perú)  • Gonzalo Mardones Arquitectos (Santiago de Chile, Chile) Edificio Fundación Tacal (Santiago de Chile, Chile)  • Grinberg Dwek Iglesias (CABA, Argentina) Edificio Greengolf (CABA, Argentina) • gualano + gualano : arquitectos (Montevideo, Uruguay) Salto del Penitente (Lavalleja, Uruguay) • Habitante del Espacio (CABA, Argentina) Casa Galpón (CABA, Argentina) • | HARGAR (La Plata, Argentina) • Casa con Columnas (La Plata, Argentina) • Horacio Torcello Arquitectos (CABA, Argentina) Sede Central AYSA Palermo (CABA, Argentina) • Ilha Arquitetos + Estela Camillo (Florianópolis, Brasil) Acervo artístico Paulo Gaiad (Florianópolis, Brasil) • IR ARQUITECTURA (CABA, Argentina) La Casa Tecno-Nómada (CABA, y Provincia de Buenos Aires, Argentina)  • Josep Ferrando Architecture (Barcelona, España) 11 viviendas de protección pública en Fornells, Menorca (Islas Baleares, España)  • Juan Campanini – Josefina Sposito (CABA, Argentina) 14 de julio (CABA, Argentina)  • KLM / Kelly Lestard Maldonado (CABA, Argentina) Hotel Anantara Ushuaia (Monte Susana, Ushuaia) | La Porta Drago | Zemborain Architects (New Haven, Estados Unidos) La Reserva (Mar del Plata, Argentina)  • Lacroze Miguens Prati (CABA, Argentina) Pasaje Calas (CABA, Argentina)  • MAB arquitectura (Milán, Italia)  Abitare a Milano – via Gallarate (Milán, Italia)  • Mario Corea Arquitectura (Barcelona, España) Médanos Patagonia (Las Grutas, Río Negro, Argentina)  • Marsino Arquitectura (Santiago de Chile, Chile) Centro educacional Toconao (San Pedro de Atacama, Chile)  • Matias Beccar Varela Arquitectos Asociados (CABA, Argentina) Biblioteca sobre el Río Paraná (El Paraíso, Provincia de Buenos Aires)  • Matias Cosenza Arquitectos (CABA, Argentina) Casa Palitos. Bosque cartesiano (Provincia de Buenos Aires, Argentina)  • MAVAA arquitectos (Porto, Portugal) Viviendas sociales en Rua da Vitória (Porto, Portugal)  • Mc Cormack Asociados (CABA, Argentina) Los Molinos Building – Ex Silos Harineros Molinos Río de la Plata (Provincia de Buenos Aires, Argentina) • MCL Studio (CABA, Argentina) Casa VVS (Buenos Aires, Argentina)  • Minond Estudio (CABA, Argentina) El Pabellón de la Nube en Cerro Timbó (Cerro Timbó, Uruguay)  • MONOBLOCK (CABA, Argentina) Sesc Thermas en Presidente Prudente (São Paulo, Brasil)  • MRA+A (CABA, Argentina) Zero Gravity Building (CABA, Argentina)  |• MSGSSV (CABA, Argentina) Complejo AlRío (Vicente López, Buenos Aires, Argentina)  • MZM Arquitectos (CABA, Argentina) El Anillo de Pampa: Conectando Buenos Aires (CABA, Argentina)  • NATURA FUTURA (Babahoyo, Ecuador) El Barrio Flotante de las Balsas (Babahoyo, Ecuador) • Nicolás Campodónico (CABA, Argentina) • Shlomi Wolman & Mai Whiteson Studio (Tel Aviv, Israel) Bricoler by the bay (Tel Aviv, Israel)  • NODOS Architecture (CABA, Argentina. París, Francia. Valencia, España) Relais d’Italie (París, Francia)  • OFICINA URBANA (CABA, Argentina) UADE Campus Central (CABA, Argentina)  • OJA – Organic & Joyful Architecture (CABA, Argentina)  | Casa Gallareta (Villa La Angostura, Argentina)  • Paula Lavarello. Oficina de Arquitectura y Diseño (CABA, Argentina) USC. Ushuaia Shipping Company (Ushuaia, Argentina)  • PuYa + Chair Being Alive ETH Zürich (Santiago de Chile, Chile) Jardín del Siglo XXI, Tiltil (Huertos Familiares, comuna de Tiltil, Chile)  • RDR arquitectos (CABA, Argentina) Estancia Morro Chico (Santa Cruz, Argentina)  • Richter Dahl Rocha & Associés | RDR architectes (Lausana, Suiza) Barrio Norte: Conjunto de viviendas de estudiantes y Centro de Convenciones en el Campus de la Escuela Politécnica Federal de Lausana | Suiza (Écublens, Suiza)  • SAS/Solomonoff Architecture Studio (New York, Estados Unidos) Casa entre copas (New York, Estados Unidos)  • SMF Arquitectos / Juan Martín Flores (CABA, Argentina) Pabellón del Centenario y su entorno (La Plata, Argentina)  • Taller890 (Talca, Chile) Rehabilitación y Ampliación Casa La Llavería (Fundo Santa Graciela, Valle Central, Chile)  • Torrado Arquitectos (CABA, Argentina) Casa Galería – El Nacional (General Rodríguez, Provincia de Buenos Aires, Argentina)  • VALERIA JAROS, LUCIA CELLA (Oberá, Misiones, Argentina) Caballerizas en Oberá, Misiones (Oberá, Misiones, Argentina)  • VILA ARQUITECTOS (CABA, Argentina) Master Plan ciudad Chizhou, Provincia de Anhui, China (Chizhou, China)  • Wodiczko + Bonder (Cambridge, Estados Unidos) Memorial a la Abolición de la Esclavitud – Nantes (Cambridge, Estados Unidos)

Escultura

Escultura + migración + ancestralidad: un título que ya cuenta una historia

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SAN SALVADOR Sculpture Shipping · Jorge de León

Hay títulos de exposiciones que parecen instrucciones de aduana. Sculpture Shipping es uno de ellos. Y precisamente por eso funciona.

El artista guatemalteco Jorge de León presenta en el Centro Cultural de España en El Salvador una exposición que cruza escultura, cerámica, instalación y tinta china con una investigación sobre las rutas migratorias centroamericanas.

El proyecto nace de una experiencia concreta: De León recorrió y documentó rutas migratorias por México a partir de 2020. De ese tránsito surgen obras que hablan de desplazamiento, memoria, fronteras y transformación. Una de las imágenes más llamativas es una escultura que recrea el perro de Cihuatán sobre ruedas modernas: un objeto ancestral que parece estar preparado para viajar.

Ahí aparece la operación conceptual de la exposición: ¿qué ocurre cuando un objeto cultural también se convierte en migrante?

De León vincula las rutas contemporáneas con las culturas originarias de Mesoamérica. La exposición también dialoga con el libro Solito, del escritor salvadoreño Javier Zamora, cuya experiencia migratoria en la infancia aporta otra capa narrativa.

El resultado no es una exposición «sobre migración» en el sentido documental tradicional. Es más bien una especie de cartografía material: cuerpos, objetos, dibujos y esculturas parecen estar siempre en tránsito.

Quizá por eso el título es tan preciso. Shipping habla de transportar mercancías. Sculpture Shipping convierte la propia obra en algo que cruza fronteras. Y cuando el objeto artístico empieza a viajar, también empiezan a viajar las historias que contiene.

Para ir

  • Centro Cultural de España en El Salvador: Calle La Reforma n.º 166, Colonia San Benito, San Salvador. Martes–viernes 10:00–13:00 y 14:00–19:00. Entrada gratuita. Exposición: 3 de septiembre–30 de octubre de 2026.
General

¿Qué cambia cuando quien “mira” una colección es una persona ciega?

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MÉXICO Esta historia comienza con una pequeña provocación: ¿y si quien guía una visita de arte no pudiera ver las obras?

El Museo de Arte Moderno de Ciudad de México está desarrollando Miradas Paralelas, un programa de mediación en el que una persona con discapacidad visual guía al público por obras de la colección y de las exposiciones en curso.

El sábado 26 de septiembre, a las 12:00 del mediodía, la psicóloga y mediadora Guadalupe Zúñiga, quien es invidente y cuenta con el apoyo de su perro guía, conducirá el recorrido. La propuesta no consiste simplemente en describir cuadros. El museo plantea acercarse a ellos a través de los sentidos: tacto, oído, gusto, texturas, temperatura, sonido y narración.

Entre las obras abordadas aparecen Las dos Fridas de Frida Kahlo, La mulita de Abraham Ángel, Nuestra imagen actual de David Alfaro Siqueiros y La balada de Frida Kahlo de Alice Rahon.

A painting depicting two women seated together, each with a visible heart connected by a red thread. The woman on the left wears a white dress with a corset, while the woman on the right is dressed in a blue top and green skirt. The background features swirling gray clouds, adding an emotional intensity to the scene.
A close-up of a stylized human figure with a smooth, round head and a muscular torso, extending its hands forward as if in an act of offering or asking. The figure is depicted in an abstract style with warm colors and textured details.
An abstract painting featuring a vibrant, colorful landscape with a large ferris wheel in the foreground and whimsical structures and figures in the background.

Lo interesante es que la accesibilidad aquí no aparece como un añadido técnico al final de la experiencia. Cambia la experiencia misma. Cuando una persona vidente deja de depender exclusivamente de sus ojos, descubre que un museo puede tener sonido, temperatura, textura, olor, volumen y hasta sabor.

Y eso abre una pregunta que vale mucho más allá del museo: ¿cuántas veces confundimos mirar con comprender?

Para ir

  • Museo de Arte Moderno: Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec, I Sección, alcaldía Miguel Hidalgo, Ciudad de México. Martes–domingo 10:15–17:45. Miradas Paralelas: sábado 26 de septiembre, 12:00, entrada libre.
Curaduría

¿Qué es el arte puertorriqueño cuando sus artistas viven y crean en diáspora?

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PUERTO RICO · Abstracción · Diáspora

Diasporican Abstraction: Identities Beyond Representation · MAC · San Juan

La cultura puertorriqueña, pulula por todos los rincones del mundo.

Eso es parte de lo que pone sobre la mesa Diasporican Abstraction: Identities Beyond Representation, nueva exposición del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. La muestra abre el 26 de septiembre y permanecerá hasta marzo de 2027.

El proyecto curatorial de Abdiel D. Segarra Ríos reúne a más de cincuenta artistas de distintas generaciones y pone en conversación obras de la colección de El Museo del Barrio de Nueva York, colecciones privadas y la colección permanente del MAC.

Lo interesante es que la exposición no utiliza la abstracción como un lenguaje neutral y descontextualizado. La mira desde experiencias de migración, desplazamiento, memoria, cuerpo, territorio e intercambio cultural. Es decir: pregunta qué sucede cuando una identidad no tiene un solo lugar donde vivir.

La selección incluye pintura, escultura, instalación, fotografía y performance. Entre los nombres aparecen


Olga Albizu • Zule Alejandro • Candida Álvarez • Maru Aponte

Tony Bechara • Eloy Blanco • Ada Bobonis • Angel Borroto

Ricardo Cabret • Osvaldo Budet • Laura Castro

Wilfredo Chiesa • Nayda Collazo-Llorens • Raphael Collazo

Sofía Collins • Fernando Colón-González • Gisela Colón

Amanda Carmona Bosch • Kianí Del Valle • Lope Max Díaz

Marcos Dimas • Frances Gallardo • Rafael Ferrer • Roy Guzmán

Federico Herrero • Karlo Andrei Ibarra • Ivelisse Jiménez

Juanita Lanzó • Evelyn López • Ulrik López Medel • Rossana Martínez 

Cisco Merel • Renny Molenaar • Rafael J. Miranda

Raphael Montañez Ortiz • Nora Maité Nieves • Daniela Nutz

Livia Ortiz • Ángel Otero • Paulina Pagán • Josué Pellot

Charlie Quezada • Kiván Quiñones Beltrán • Lee Quiñones

Melissa Raymond & René Sandín • Nelson SELEK • Carlos E. Rodríguez

Freddy Rodríguez • G. Rosa-Rey • Vané Russo • Zilia Sánchez

David Santamaría • Awilda Sterling Duprey • Edra Soto • Jorge Soto

Heryk Tomassini • Ralph Vázquez • Sebastián Vallejo • Rafael Vega

Estefanía Vélez • WAI Think Tank / Nathalie Frankwski & Cruz García

La palabra «diasporican» también hace su parte. No intenta esconder la tensión entre aquí y allá; la convierte en punto de partida.

¿Qué pasa cuando dejamos de pensar la diáspora como una pérdida de territorio y empezamos a verla como un territorio cultural en sí mismo?

Para ir

  • Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC): Av. Juan Ponce de León, esquina Av. Roberto H. Todd, Parada 18, San Juan. Viernes–domingo 11:00–17:00. Apertura: sábado 26 de septiembre, 19:00, entrada gratuita. Exposición: 26 de septiembre de 2026–28 de marzo de 2027.

Moda

¿Dónde termina el arte y empieza la moda?

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PUERTO RICO · Moda · Performance

DUAL: Arte y Moda · Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico

En el MAC, la ropa no quiere quedarse colgada en una percha.

DUAL: Arte y Moda propone un desfile que convierte la moda en «arte en movimiento» y lo integra a la programación del Museo de Arte Contemporáneo. El primer acto ocurre el 25 de septiembre de 2026 y reúne diseñadores y artistas locales, entre ellos Stella Nolasco, Dita Zayas, Awaecocco, Herman Nadal y Namibia Viera.

Pero el proyecto tiene una segunda vuelta. En noviembre, la GALA MAC retoma las piezas adquiridas durante la primera experiencia y las hace reaparecer transformadas por quienes las compraron. El público deja de ser espectador y se convierte en parte del montaje.

Eso vuelve interesante a DUAL: no se limita a colocar moda dentro de un museo. Juega con la frontera entre objeto, cuerpo, diseño, performance y participación.

La pregunta no es nueva, pero sigue siendo deliciosa: ¿cuándo una prenda deja de ser una prenda y empieza a funcionar como obra?

En un museo, la respuesta no necesariamente está en el objeto. Puede estar en lo que hacemos con él.

Para ir

  • MAC: Av. Juan Ponce de León, esquina Av. Roberto H. Todd, Parada 18, San Juan. Primer acto: viernes 25 de septiembre de 2026, 19:00, Patio Interior del MAC. Segundo acto / GALA MAC: sábado 7 de noviembre de 2026, 19:00.

Ecología

¿Puede una abeja convertirse en protagonista de una obra de arte sonoro?

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COLOMBIA · Arte sonoro · Ecología

Enjambre de Félix Blume · MAMM · Medellín

Olvídate por un momento de la pintura. En Medellín hay una exposición que no se mira: se escucha.

Enjambre, del artista sonoro Félix Blume, está compuesta por 250 pequeños altavoces suspendidos del techo. Cada uno reproduce el sonido individual de una abeja en vuelo. Al entrar, todo parece un solo zumbido. Pero basta caminar entre los altavoces para que el enjambre se desarme en individuos.

Ese detalle cambia completamente la experiencia. La obra nos hace pasar del colectivo al individuo y otra vez al colectivo. No estamos escuchando «abejas» como categoría; estamos escuchando una abeja, luego otra, luego otra. Una especie de retrato sonoro.

El proceso de creación fue tan particular como el resultado. Blume y su equipo registraron más de 600 vuelos y seleccionaron 250 grabaciones. Para conseguirlas construyeron un sistema de grabación especialmente diseñado para trabajar con los insectos, en colaboración con el apicultor Dominique Hardouin.

Pero Enjambre no es simplemente una curiosidad tecnológica. La instalación abre una pregunta más grande: ¿qué ocurre cuando dejamos de considerar el zumbido como ruido y empezamos a escucharlo como lenguaje?

El propio montaje produce una metáfora inesperada sobre la convivencia. Una colmena funciona sin un «jefe» central; la coordinación surge de la relación entre individuos. El arte convierte ese fenómeno biológico en experiencia corporal.

Y hay algo particularmente oportuno aquí. En una época saturada de imágenes, notificaciones y opiniones, una instalación que exige detenerse para escuchar puede resultar casi subversiva.

Para ir

  • Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM): Ciudad del Río, Carrera 44 N.º 19A-100, Medellín. Martes a viernes 11:00–19:00; sábados, domingos y festivos 11:00–18:00. Enjambre está en Lab 3 desde el 10 de septiembre de 2026.
Curaduría

Excelente plataforma para ver Videoarte: Reactivando Videografías

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Reactivando Videografías es una plataforma de exposición de Videoarte con más de 60 artistas de Europa y Latinoamérica que puedes accesar en este enlace Aquí

Compartimos información acerca del proyecto:

Reactivando Videografías es un proyecto de la Red de Centros Culturales de la Cooperación Española y la Real Academia de España en Roma, que busca dar a conocer una selección de trabajos audiovisuales de hasta un total de setenta artistas procedentes de España e Italia, así como de diversos países de Latinoamérica.
Con esta selección de vídeos llegados desde Santo Domingo, México D.F., Guatemala City, Tegucigalpa, San Salvador, San José de Costa Rica, Managua, Panamá, Lima, Santiago de Chile, Córdoba, Rosario, Buenos Aires, Montevideo, Asunción, La Paz, Malabo, Bata, Roma y Madrid, se compone una cartografía capaz de representar la gran diversidad de puntos de vista y procedimientos existente en el videoarte.


También se afronta el reto de concebir una exposición virtual, en tiempos de difícil presencialidad. Y para ello la muestra se sirve de las características específicas del soporte videográfico: su transversalidad en relación a otras disciplinas como la pintura, la escultura, la fotografía o la performance, así como su versatilidad, lo hacen particularmente oportuno.
Por otro lado, en este espacio virtual se trata no solo de visibilizar todas estas obras de estas/os artistas diferentes, sino sobre todo de ver las sinergias que pueden generarse entre todas ellas.
El proyecto se complementará con una serie de debates y mesas redondas que se llevarán a cabo a lo largo de dos años; en ellas se abordarán, en formato online y en abierto, los diversos desafíos y oportunidades a las que se enfrenta hoy en día el videoarte. Se trata por tanto de crear un espacio de diálogo, encuentro, reflexión y debate que permita también reexaminar algunos de los modos en que las instituciones culturales se relacionan con el trabajo artístico basado en el uso de las tecnologías.
El carácter extraño de los tiempos que nos han tocado vivir hará, por otro lado, que un proyecto como éste funcione de una manera única e intensa, y lo convertirá en una ventana que podremos visitar permanentemente; lo que sin duda contribuirá, desde su modestia, a promover la diversidad cultural y el fortalecimiento de las redes culturales entre América Latina, España e Italia.

Laura Magruder

Humanidad Enmascarada de Laura Magruder

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#póntela

El 15 de marzo nuestra realidad se alteró. Cuando salimos a la calle a hacer las diligencias indispensables íbamos cubiertos. Cubre-caras, mascarillas, tapabocas se conviertieron en nuestra protección. En un principio ni nos mirábamos a las caras por miedo a que el virus entrase por las pupilas.

Poco a poco nos fuimos mirando, saludándonos con un gesto, sonriéndonos a través de las telas. Ahí fue que nació este proyecto. Es un canto a la humanidad que nos habita.

Estas fotos son un intento por recordarnos que nuestro humanismo está presente y más ahora que al usar estas barreras para el virus mostramos el respeto y el amor hacia aquellos con los que compartimos este momento.

Gracias por ponértela.

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Hombre, demasiado Humano @portaespacios

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El mundo de las artes plásticas continúa efervescente y la visibilización de los artistas es ahora mayormente difundida a través del Internet. Tanto museos, galerías, así como curadores independientes se abren espacio en esta nueva ruta internauta. Les recomiendo echar un vistazo al catálogo de la muestra virtual en Instagram Hombre, demasiado humano, organizada por @PORTAESPACIOS y curada por Raúl Rodríguez* que reúne un conjunto de 18 obras de artistas de distintas nacionalidades. Los exponentes están entrelazados por una línea generacional y una constante investigación en el cuerpo y sus interrogantes, no sólo en su obra sino también a través de sus vidas.

Kenny Lemmes, Sin título, de la serie Venus Perversa 2019

El profesor e investigador venezolano Arq. Manuel Vázquez-Ortega** escribe acerca de la muestra:

“Las obras versan sobre la separación y tangencialidad de la representación universal, viril, fuerte e invencible del varón, que mientras se aleja de cualquier tipo de mayúsculas se presenta y acerca al hombre como ser humano –en demasía– que autoafirma su voluntad de liberarse de fórmulas morales y sociales, ficcionadas y espectacularizadas desde tiempos inmemoriales (y por ello cuestionables) en los que ‘El Hombre’ cazaba y ‘La Mujer’ reproducía.

Kenny Lemmes, Sin título, de la serie Venus Perversa 2019

Luego continúa elaborando acerca de la muestra “Sin embargo, con el pasar de los años y gracias a los logros de los movimientos feministas y queer, junto a sus sólidas bases teóricas que demuestran la posible variedad del triedro sexo/género/sexualidad, la figura del hombre homosexual adquiere otra percepción, en la que son ahora ‘aceptados’ dentro de una ‘normalidad’ en la que El Hombre aún continua imperante en su mundo capitalista. “ Para leer leer más del escrito puede dirigirse directamente a @portaespacios.

Johan Mijail, Amor Vegetal, 2016, fotoperformance

La muestra la componen los artistas:

Fabian Rodríguez [ @firuderiul ]Mérida, Venezuela – 1979. –
Cristian Guardia Jacinto [ @guardiajacinto ]Maracay, Venezuela – 1982. –
Felipe Rivas San Martín [ @feliperivassanmartin ]Valdivia, Chile – 1982. –
Kenny Lemes [ @kennylemes ]La Habana, Cuba – 1985. –
MAx Provenzano [ @maxprovenzano ]Caracas, Venezuela – 1986. –
Ruben Montini [ @rubenmontini ]Oristano, Italia – 1986. –
Leonardo Almao [ @leonardoalmao ]Valencia, Venezuela – 1986. –
Los Picoletos [ @lospicoletos ]Fabro Tranchida, 1987.
Dante Litvak, 1990.
Argentina. –
Mischa Badasyan [ @mischabadasyan ]Rostov on Don, Rusia – 1988. –
Johan Mijail [ @johanmajail1 ]Santo Domingo, Rep. Dominicana – 1990. –
Lechedevirgen Trimegisto
Felipe Osornio [ @lechedevirgen_trimegisto ]Queretaro, México – 1991.

Para acceder al catálogo digital: https://www.instagram.com/portaespacios

Portada: Los dos Javis, 2018. / Desentierro (Mantegna y Che), 2017.
Fotografía Digital. Los Picoletos (Fabro Tranchida y Dante Litvak).

*Raúl Rodríguez es un artista y curador multidisciplinario venezolano con especial interés en la cualidad presencial y corporal del Ser. Ha presentado trabajos en Venezuela, Ecuador, Colombia, Estados Unidos, Finlandia, entre otros. En 2016, en colaboración con Eisen Guerrero, creó PORTAESPACIOS

** Manuel Vázquez- Ortega nace en Aragua, Venezuela, en 1994. Arquitecto por la Universidad de Los Andes (2018), en la que se desempeña actualmente como profesor del Dpto. de Materias Históricas y Humanísticas. Como investigador independiente de la ciudad venezolana contemporánea, sus procesos y dinámicas, ha desarrollado una serie de búsquedas en torno a lo social y lo político cuyos resultados han sido exhibidos en el I Salón “Arte y Sociedad” (Centro Cultural B.O.D. / Goethe Institute, 2018), 20º Salón Jóvenes con FIA (Maczul, 2017), 13º y 15º Salón Nacional de Jóvenes Artistas (Maczul, 2016-2018) y I Salón “Representación contemporánea de la imagen” (IV Festival Méridafoto, 2016). Así mismo, sus textos e inquietudes teóricas han sido publicadas en plataformas web como el Archivo de Fotografía Urbana, Prodavinci, Artishock, el Blog de La ONG, Tráfico Visual, entre otras revistas académicas internacionales. Desde 2017 se desempeña como Coordinador de Espacio Proyecto Libertad (@espacioplibertad)

PORTAESPACIOS es una organización de arte con sede en Valencia, Venezuela, centrada en la educación, creación, exhibición y difusión de las Artes, la Arquitectura y el Diseño. Instagram: @portaespacios

Cruz Garcia & Nathalie Frankowski

Deshaciendo Arquitecturas

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102850185_586350275628577_4760327875629573060_n   por Cruz Garcia & Nathalie Frankowski

En la revolución antirracista, la arquitectura más poderosa es la que se deshace. En medio del vertiginoso proceso de deconstruir un andamiaje racista y anti-negritud que lleva en plena construcción ya más de 500 años, manifestantes alrededor del mundo se han dado la tarea de ejecutar lo que muchos políticos, planificadores urbanos, inversionistas, arquitectos y desarrolladores han tratado de evitar.

King Leopold II

Manifestantes apoyando el movimiento Black Lives Matter han ido tras los monumentos y efigies de colonizadores, esclavistas, figuras políticas y comandantes confederados en un inédito gesto solidario, colectivo y global. En este acto sabrosamente iconoclasta, la arquitectura como la construcción y consolidación de símbolos ideológicos se encuentra en el ojo de esta tormenta revolucionaria. Si es cierto que usualmente se estudia a la arquitectura como una serie de artefactos estéticos sin raíces ideológicas, una mirada crítica a nuestra historia de opresión humana y destrucción ambiental revela su relación con regímenes de violencia, coloniaje, genocidio, racismo y capitalismo.

Eduard Colston Monument

Entre las estatuas y efigies identificadas por los activistas anti-racismo se encuentran las del brutal y sanguinario Leopoldo II de Bélgica (responsable del genocidio en el Congo), el primer ministro británico Winston Churchill y el general confederado Robert E. Lee, las tres pintadas con grafiti, el esclavista Edward Colston, cuya estatua fue lanzada al rio, un decapitado Cristóbal Colón y la estatua del ex alcalde y ex comisionado de la policía de Filadelfia Frank Rizzo.

Robert E. Lee

Hace unos días, mientras escribíamos nuestro manifiesto por una arquitectura antirracista, nos topamos con una cita, en la que el pensador camerunés Achille Mbembe deconstruye el rol de las estatuas, efigies y monumentos coloniales, como objetos de todo tipo de materiales (mármol, granito, bronce, acero) en la que la muerte se convierte en una cosa trabajada. Estas estatuas que buscan preservar una fusión entre la objetualidad, la subjetividad y la mortalidad de cuerpos humanos y bestias (por ejemplo, el caballo que monta un conquistador), tienen como función la remisión a cierto modo de recuperación del tiempo. Comenta Mbembe que casi sin excepción, las estatuas y efigies coloniales dan cuenta de esta genealogía muda en donde el sujeto se adelanta a la muerte y ésta, a su vez, se adelanta al objeto mismo que, supuestamente, ocupa el lugar de sujeto y de muerto al mismo tiempo.

A esta relación entre espacio, objeto y muerte podemos agregar como estos íconos, usualmente construidos a gran escala e instalados en espacios públicos, sirven para legitimar, normalizar y consolidar la sangrienta historia e ideología del colonialismo. Se suman a las estatuas otros objetos, monumentos e infraestructuras que, aunque no invocan los rostros de la opresión más cruel y explicita, sirven para preservar imaginarios colonizadores.

Winston Churchill. A raíz de las protestas de “Black Lives Matter’, grupos de derecha y veteranos llegaron hasta las instalación de la escultura de Winston Churchill para “protegerla de mayores vandalismos por parte de grupos ant- racistas.”

Para aquellos arquitectos que, como nosotros, desean construir nuevos mundos mientras mantienen este inédito vigor anti-racista, lo próximo sería el desmantelamiento de otros monumentos como estaciones de trenes, palacios de gobiernos coloniales, edificios construidos con labor esclava, puentes, campos militares, fortalezas e incluso edificios universitarios alrededor del mundo financiados con necrocapital. Si queremos construir arquitecturas emancipatorias no podemos permitir que estos hermosos actos de subversión antirracista pasen por desapercibidos. En un mundo anti-racismo tenemos que aprender a deshacer arquitecturas.

Aquí nuestro manifiesto por una arquitectura antirracista:

http://waithinktank.com/Anti-Racist-Manifesto

El video del manifiesto:

Cruz Garcia & Nathalie Frankowski

Los Arquitectos Cruz Garcia & Nathalie Frankowski Dibujan Mejores Mundos

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La palabra binomio proviene del latín “bi” en el sentido de dos, más “nomos” término griego que designa una parte del todo. Así son los artistas y arquitectos  Cruz Garcia & Nathalie Frankowski que trabajan como si fueran uno.

Oriundo de Rio Piedras y graduado de la escuela de arquitectura de la Universidad de Puerto Rico, Cruz García conoció a su compañera francesa, Nathalie Frankowski mientras trabajaba en un estudio de arquitectura en Bruselas. En la capital belga fundaron su estudio WAI Architecture Think Tank en el 2008 y al próximo año se mudaron a Beijing, en parte huyendo de la ola populista que se avecinaba en Europa. Radicados en Beijing por 7 años publicaron libros en Londres y Sevilla y realizaron varios proyectos pluridisciplinarios, incluyendo su participación en festivales internacionales de arquitectura como la Bienal de Arquitectura de Chicago y la Biennale Architettura en Venecia.

Sus obras que exploran entre muchos temas, el legado de la forma y la ideología en la arquitectura, el rol de las utopías en los imaginarios colectivos y lo que ellos llaman “Arquitecturas narrativas” y “Paisajes post-coloniales” han sido parte de muestras en el Museo de Arte Moderno en Nueva York (MoMa), el Vitra Design Museum en Weil am Rhein en Alemania, el Museo de Arte, Arquitectura y Tecnología en Lisboa, el KW Institute for Contemporary Art en Berlin y mas recientemente el Neues Museum en Nuremberg.

En Beijing fundaron una aclamada galería de arte contemporáneo llamada Intelligentsia Gallery a través de la que establecieron colaboraciones con más de doscientos artistas de seis continentes. En el 2016 les ofrecieron la oportunidad de ser profesores visitantes para reformular el currículo de la escuela de arquitectura en Taliesin, el antiguo hogar y estudio del legendario arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright. Desde su llegada a los Estados Unidos Garcia y Frankowski han servido de profesores invitados en la Universidad de Nebraska-Lincoln y Carnegie Mellon University. Recientemente publicaron su tercer libro ‘Narrative Architecture: A Kynical Manifesto’.

Pulsa la imágen para agrandar

En respuesta a la pandemia de Covid-19, Garcia y Frankowski han ido desarrollando una plataforma virtual en la que establecen enlaces de solidaridad intelectual con arquitectos, artistas, autores, e intelectuales alrededor del globo. La plataforma Loudreaders se inspira en los lectores de las tabaquerías de principio de siglo XX en la que se destaca la figura de la icónica síndico-anarquista puertorriqueña Luisa Capetillo.

Próximamente estarán inaugurando una escuela de arquitectura gratuita en línea, buscando maneras de seguir explorando nexos de solidaridad con artistas, pensadores y arquitectos. Para LunaticaTV, Garcia y Frankowski utilizarán los enlaces de estas nuevas plataformas post-pandemia para explorar nuevos y excitantes proyectos mientras se dibujan otros y mejores mundos.

Arte Digital, Video

VeoBo en la Casa: Entrevista con la directora de Lunatica TV

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Entrevista con Ozzie Forbes de VeoBo y El Cuadrado Gris

Estamos muy entusiasmados de tener un nuevo colaborador en LunataicaTV: Ozzie Forbes de El Cuadrado Gris y la plataforma de televisión digital VeoBo. Estaremos compartiendo por aquí segmentos de sus mejores programas.

Esta vez fui yo la entrevistada, hablé de mi trayectoria y de algunos planes que tenemos con LunaticaTV. Al final nos fuimos bastante personal, es lo que sucede cuando conversamos con grandes amigos.

Arte en la Pandemia

Arte Puertorriqueño en la Pandemia: Cheryl Rivera

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La cantautora Cheryl Rivera, ha estado activamente escribiendo, componiendo y cantando en una especie de cuarentena creativa desde que anunciaron el toque de queda. Una de las nuevas composiciones que  hablan de la experiencia del coronavirus es su nueva canción “Luna Gris”. 

Dale “play” y sigue leyendo lo que nos dice Cheryl sobre su canción…

“La canción habla del proceso de vivir en cuarentena, de calles vacías, de cómo el gobierno con su ineficiencia nos enferma y como los medios con desinformación nos quieren intimidar y controlar. Hay que mantener la energía, bailar y cantar dentro del encierro, mover nuestros pensamientos y cuerpos para ver más allá de lo que nos muestran! La medicina está en la naturaleza y en nuestro interior! “Luna Gris” invita a la verdadera Libertad, la que habita en contacto con nuestro espíritu y el universo divino.”

En la creación de este sencillo colabora como co-autor Javier Hiram Gómez (Vivanativa).  El compositor novel Diego Resto le ayudó a crear la maqueta técnica de la canción y posteriormente David Marrero de OXLab Studio produce el tema, añadiéndole ese particular mundo silvestre sonoro. Le pregunté a Cheryl cómo había surgido la idea de “Luna Gris”, a lo que ella contestó:

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“Todas las noches antes de acostarnos le leo un cuento a mi hijo Gael. Esa noche elegimos uno sobre cuidar la naturaleza. El cuento decía que las personas habían ensuciado tanto el planeta, que ya no quedaban plantas ni animales. Un niño de la aldea se sorprendió al encontrar una rosa solitaria que estaba muy enferma. Quiso llevarse la flor para sembrarla en otro lugar, pero sabía que no sobreviviría en un planeta tan contaminado.  ¡Decidió llevarla en un cohete a la luna! Allí  la rosa estaba tan a gusto que se multiplicó y en poco tiempo la luna estaba cubierta de flores. Inmediatamente Gael me dice “Mamá como el corona virus” y desde ese día cada vez que veo la foto del virus veo una luna gris repleta de rosas rojas. El se durmió, a mi me pareció una coincidencia bien extraña. ¡En una hora ya el papá y yo habíamos compuesto la canción! A veces las maravillas de la vida están en las cosas cotidianas y simples.”

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“Lumbrera en la escena alternativa. Cheryl Rivera es un despliegue de angel, originalidad, atributos vocales e interpretativos, creatividad y talento musical con luz propia para conquistar fronteras insospechadas.”                        -Fundación Nacional para la Cultura Popular

Conozco de cerca el valor que  Cheryl tiene como ser humano y como artista.   Con ella me unen lazos familiares, por eso quise buscar una opinión instruída y objetiva.  Contacté a la creadora, respetada pianista, compositora y productora Brenda Hopkins, quien conoce muy bien su trabajo, ya que fue su profesora en la universidad. Nos dice que como estudiante Cheryl era apasionada, llena de curiosidad, que cada clase era para ella una aventura. – “Son señales de que continuará evolucionando sin límites a lo largo de su camino.”

Luego Hopkins continúa: -“He visto la veloz transformación de una persona que empieza a abrirse camino en la música a alguien que es una artista en todo el sentido de la palabra, cuidando cada detalle no solo de sus composiciones y su voz sino el ambiente que crea para que los oyentes tengamos una experiencia total y profunda de su esencia.  Ella tiene magia, o como dirían los gitanos, tiene duende”

Cheryl Rivera es una artista con futuro, le espera un éxito avasallador en la escena musical.  La chica se las trae.

Pueden conocer más de Cheryl Rivera en las redes sociales:

Instagram: https://www.instagram.com/cherylriveramusica/

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCuKT1AC_z09Cn15R1muti5g

Facebook: https://www.facebook.com/cherylriveramusica

Spotify: https://open.spotify.com/album/2TpdCHj4CS8o1grEvT2TGT?si=Yth0vfYFRomgGIM9PE4et

Este es un artículo de la serie “Arte Puertorriqueño en la Pandemia” escrito por Tamaris Cañals para LunaticaTV.com. El mismo tiene como objetivo recopilar y difundir las gestiones y trabajos relacionados al arte y la cultura en Puerto Rico durante la cuarentena provocada por la histórica pandemia del Covid-19
Arte Digital, Arte en la Pandemia

Arte Puertorriqueño en la Pandemia: Fernando Norat

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Fernando Norat compartió en las redes sociales una serie de dibujos en formato digital que iba creando mientras transcurrían los largos días de la cuarentena. Algunos evocan  sentimientos de distancia, nostalgia y soledad compartida entre las islas del Caribe.  Otros presentan situaciones cotidianas que ocurrieron en Puerto Rico durante la pandemia.

La pieza “Calor” que vemos arriba fue inspirada por unos hechos ocurridos el 22 de mayo en el residencial público San Martín de Rio Piedras.  El calor del encierro provocó que niños del residencial convirtieran un contenedor grande de basura en una piscina comunal.  

Fernando Norat se encuentra cursando estudios para finalizar su doctorado de historia caribeña en Brown University y  no cuenta con estudios formales de arte. Nació y se crió en el barrio La Sierra de Aibonito y desde pequeño se interesó en el graffiti y el dibujo.  Esperamos que continúe brindándonos su arte.  Aquí les presentamos parte de la serie que tituló “Dibujos de la cuarentena” :

 

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Mira el vídeo viral que inspiró la pieza “calor”

 

 

 

Este es un artículo de la serie “Arte Puertorriqueño en la Pandemia” escrito por Tamaris Cañals para LunaticaTV.com. El mismo tiene como objetivo recopilar y difundir las gestiones y trabajos relacionados al arte y la cultura en Puerto Rico durante la cuarentena provocada por la histórica pandemia del Covid-19
Arte en la Pandemia, Artes de Calle y Circo

Arte puertorriqueño en la pandemia: ACirc

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Todo estaba preparado. Tropas de artistas de diferentes partes del mundo ya habían llegado a Puerto Rico para presentarse en la 7ma edición del Festival Internacional de Circo y Artes de Calle de Puerto Rico. Había gran expectativa, CIRCO FEST 2020  estaba a punto de comenzar.  En eso llegó la pandemia del Coronavirus causando cancelaciones masivas de eventos públicos alrededor de todo el mundo.  Los artistas visitantes tuvieron que acuartelarse y pasar gran parte de la cuarentena en la isla. Ya se había invertido mucho dinero en el festival con la ayuda de auspiciadores que creen y respaldan las artes.  Todo el esfuerzo parecía estar perdido.  No contaban con que los organizadores del festival son de armas tomar y que no se iban a dar por vencidos tan fácilmente.   En un santiamén transformaron la 7ma edición del festival en un programa virtual transmitido en vivo que llamaron CIRCO FEST ONLINE.  En un momento donde la gente no podía salir de sus casas y buscaban la manera de entretenerse, Circo Fest Online les brindó artes de calle en la comodidad de su hogar.

El gran éxito obtenido dio paso a la creación de ACirc TV, una plataforma virtual para compartir contenido artístico y cultural de manera digital. Se presenta todos domingos a las 7:15pm por su canal en Youtube.  Los encuentras en este enlace: ACirc

Aquí les presento uno de nuestro episodios favoritos

ACirc es una organización sin fines de lucro que comenzó con un junte de artistas de diferentes disciplinas que deseaban crear un espacio físico para fomentar el circo y las artes de calle. Maximiliano Rivas, Maite Rivera y José Carreño hicieron realidad su visión y juntaron un equipo extraordinario de colaboradores y colegas artistas.  Ofrecen espectáculos artísticos, talleres educativos, producciones de eventos y tienen como sede el Centro Cultural El Bastión en el Viejo San Juan.  De ese espacio les hablaré en otra ocasión, pues amerita la atención de todos los que estén interesados en el arte y la cultura nacional e internacional.

 

*Este es un artículo de la serie “Arte Puertorriqueño en la Pandemia” que tiene como objetivo recopilar y difundir las gestiones y trabajos relacionados al arte y la cultura en Puerto Rico durante la cuarentena provocada por la histórica pandemia del Covid-19

 

Arte en la Pandemia

Arte Puertorriqueño en la Pandemia: Sylvia Bofill Calero

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Teatro online.  Del bueno. Del que aún no tenemos mucha idea de cómo hacerse.  En este momento histórico en donde no se sabe todavía qué será de las presentaciones artísticas, Sylvia Bofill Calero  ha llevado lo del Teatro Experimental a otro lugar muy poco experimentado (y que valga la redundancia) con sus estudiantes del  Departamento de Drama de la Universidad de Puerto Rico.

La clase que Bofill dirige estaba trabajando en el estreno de la obra de su autoría “Lxs Idiotas”.  Se iba a presentar originalmente del 30 de marzo al 7 de abril de este año, justo cuando la cuarentena impuesta hace cambiar todos los planes.  El proceso de ensayos ha continuado a pesar del “lockdown” en su espacio en la web. 

“Lxs Idiotas” es la más reciente obra de la dramaturga, directora y coreógrafa Sylvia Bofill Calero

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Promoción Oficial de la puesta en escena. La presentación “tangible” ha sido pospuesta hasta nuevo aviso.  Fotografía: Diego Flores Diseño gráfico: Luis Daniel Rivera Nazario


Aquí uno de sus ensayos virtuales:

 

 Sylvia Bofill Calero se considera una de lxs teatrerxs más relevantes del Puerto Rico contemporáneo. No encontrarás mucho de convencional en su trabajo que trata con mucha agudeza temas socio-políticos, así como de conflictos generacionales y de las sutilezas del amor en todas sus manifestaciones.  Hay mucho de movimento espacial  en sus piezas, influenciado tal vez por su trabajo temprano en la danza. Algunas de sus puestas en escena  invitan a la participación y tiene una capacidad impresionante de conectar con el público. Ha sido galardonada dos veces con el  Schomburg Visiting Scholar and Artist (Playwright- in- residence ) en Rampao College, NJ.  Valdría la pena visitar su página para conocer más acerca de ella y sus obras.

De la cuarentena  y cómo ésta le ha afectado como artista nos cuenta:

“He conectado con mi cuerpo, me he dado cuenta lo importante que es para mí expresarme con mi cuerpo, cuando me da estrés necesito sudar y moverme ( el movimiento y la coreografía)… también he podido tener momentos de soledad y quietud….tan necesarios para crear…he podido estar al lado de un árbol ( en el patio de mi condominio) y quedarme respirando junto a él por un tiempo largo- ahora siempre tengo un momento de caminar o respirar; quiero seguir esta practica.”

¿Cómo ha sido el proceso de creación a distancia?

 “El proceso de Lxs Idiotas ha sido un bálsamo; un oasis, hemos querido seguir conectando y contar la historia a pesar de todas las dificultades y distanciamiento social. Por otro lado la pausa nos permitió crear sin expectativas, al principio ensayábamos sin pensar en un producto final- eso es liberador; la idea de radio stream vino después; primero  fueron las ansias de seguir comunicándonos.”

¿Qué ha sido lo más difícil?

“La dificultad vino con que a veces no nos escuchábamos o se caía la señal; creo que nos hizo estar más atentos; a literalmente escuchar; suena “clichoso” pero escuchar no es tan fácil y es lo más importante para poder colaborar y crear.”

Eso de escuchar nos convendría a todos en muchos instantes de la vida. En fin, ahora solo falta esperar a presenciar la obra.  Como parte del público, tengo gran expectativa de este novedoso proyecto que podría marcar una nueva forma de representación teatral. Les deseo al elenco “mucha mierda”, como decimos en teatro para augurar éxito.  Si también te conectas para ver Lxs Idiotas, por favor añade un comentario abajo y cuéntanos acerca de tus impresiones…

 

Lxs Idiotas – Créditos

Elenco: María Luisa Marín, Thaís M. González, Gabriel A. McRoberts, Rafael J. Pabellón, Luis Obed Velázquez, Jonathan J. López, Jorge Alexander, Paola Millán, Claudia Sofía Cordero,  Ezequiel Díaz, Kimberly M. Marcano y Gabriel S. Rivera

Producción:  Dramaturgía, dirección y coreografía- Sylvia Bofill Calero / Diseño de escenografía e iluminación – Israel Franco-Müller / Diseño de vestuario – Miguel Vando / Diseño de Sonido – Gabriel Rivera / Regidora – Emma Michelle / Asistente de Dirección – Adriana Camila González / Consultora de libreto – Alejandra Rosa / Asistentes de escenografía y utilería – Vladimir Alvira, Mariangelís Correa, Alicia L. Vega Ferrer / Asistente de iluminación- Ireshka Ramírez Manfredi / Asistente de vestuario – Miossotti Cortés Rivera, Coralys Avilés / Maquillaje – Luis Estrada Agosto / Creativa, Redactora del Blog – Karina Argueta Burgos con colaboración de Daniela González / Publicidad y Redes Sociales – Daniela González Martínez, Karina Argueta Burgos / Fotografía – Diego Flores, María Gonzealez Pirela, Estefanía M. Montañez Maymí /  Video – María Gonzealez Pirela, Estefanía M. Montañez Maymí / Lenguaje de Señas – Daniela González Martínez

 

 

*Este es un artículo de la serie “Arte Puertorriqueño en la Pandemia” que tiene como objetivo recopilar y difundir las gestiones y trabajos relacionados al arte y la cultura en Puerto Rico durante la cuarentena provocada por la histórica pandemia del Covid-19

 

 

Arte Digital, General

Atelier Des Lumières Impresionante exhibición en París

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Auto-denominado como el primer centro de arte digital en Paris, la exhibición monumental de ATELIER DES LUMIÈRES es una experiencia multi-sensorial en donde el espectador se sumerge en presentaciones digitales de obras de grandes artistas. Se utilizan 140 proyectores de video especializado que cubren 3,300 metros cuadrados, más de 3,000 imágenes movibles  y un sistema de sonido que se extiende por todo el espacio.

En varias salas se proyectan obras de figuras sobresalientes de la historia del arte y una sala devota a los artistas Gustav Klimt y Egon Schiele. La instalación está a cargo de Culturespaces, con la dirección de la curadora Beatrice Avanzi.

“La observación pasiva de las obras de arte ya no son relevantes” Bruno Monier

¿El futuro o el fin del arte?

El presidente de Culturespaces Bruno Monier dijo en una entrevista que el arte digital y las experiencias digitales basadas en los sentidos son el futuro de las exhibiciones de arte: “La observación pasiva de las obras de arte ya no son relevantes”

¿Está de acuerdo? ¿Qué piensa usted?  Comente…

La exhibición estará abierta al público hasta el 11 de noviembre de 2018.

38 Rue Saint-Maur, 75011 Paris, Francia. Cómo llegar: Metro: línea 9 (Voltaire, Saint-Ambroise), 3 (Rue Saint-Maur), y 2 (Père Lachaise) Bus: 46, 56, 61, and 69